Fotojornalistas devem capturar eventos conforme acontecem e raramente têm segundas chances. Fotógrafos de estúdio, por outro lado, têm a capacidade de levar seu tempo e compor a foto perfeita. Execução meticulosa em cada fotografia, obtida gerenciando muitos fatores diferentes, é necessária para fotógrafos de estúdio construírem portfólio de qualidade e manterem clientes retornando.
Mesmo quando limitada por uma janela pequena ou horário do dia, a luz natural pode criar sombras e silhuetas sem o custo substancial de equipamentos de iluminação e sombreamento. A luz natural raramente domina uma foto dentro de um ambiente de estúdio controlado, e pode proporcionar bordas suaves no sujeito.
Luzes quentes (hot lights) não deixam mistério sobre o sujeito porque áreas direcionadas ficam banhadas em amarelo brilhante. Luzes frias (cold lights) emitem tom mais azulado, mas proporcionam iluminação mais uniforme de todas as superfícies. Fotógrafos de estúdio precisam ajustar a cor, mas também devem considerar o bem-estar do sujeito. Luzes quentes emitem calor intenso em ambientes apertados e podem afetar desempenho e aparência durante sessões potencialmente longas.
Além da iluminação, fotógrafos de estúdio devem aprender as possibilidades do flash disponível em suas câmeras. Flashes podem compensar pequenas deficiências nos conjuntos de iluminação geral e frequentemente são negligenciados por causa dos equipamentos mais caros e dinâmicos em uso.
Fotógrafos de estúdio devem experimentar as diferentes configurações de seus equipamentos para obter os melhores resultados. Diferentes velocidades do obturador podem indicar movimento do sujeito através do quadro ou capturar uma ação focada e congelá-la no tempo.
Fotógrafos devem entender suas limitações pessoais. A velocidade do obturador é incrivelmente rápida, então não deve afetar o foco. Mas o movimento do fotógrafo pode trazer mudanças sutis, mas indesejadas, no ângulo ou enquadramento. Usando tripé, o fotógrafo obterá resultado verdadeiro sempre.
Ao trabalhar com modelo, uma das técnicas mais importantes para um fotógrafo de estúdio é a comunicação verbal. O fotógrafo deve descrever com precisão como o sujeito precisa se posicionar. Também deve saber acalmar ou encorajar o sujeito quando as coisas não estão funcionando ou problemas de equipamento causam atrasos.
Fotógrafos podem criar interesse visual e encontrar novas interpretações de naturezas-mortas preenchendo todo o quadro com o sujeito. Outras vezes, espaço em ambos os lados pode ser mais atraente e definir um tom, seja para retratos profissionais ou poses de qualidade de revista. O quadro pode ser considerado uma grade de nove caixas, como jogo da velha, dando opções além de apenas centralizar o sujeito.
Mesmo se o estúdio está apenas começando, o fotógrafo pode criar fotos limpas e desobstruídas com fundo de papel ou tecido pendurado nas vigas. Caso contrário, fundo bagunçado obscurecerá o propósito da foto e potencialmente confundirá quem a observa.
Se voltado para fotos pessoais, familiares ou infantis, adereços são peça importante para interesse visual. O fotógrafo deve selecionar itens que complementem a cena, como conchas grandes e claras para cena de praia ou pedestais brancos para foto de campanha de político. Os itens, porém, devem sempre ser mantidos secundários ao sujeito principal.
A técnica mais nova que fotógrafos de estúdio bem-sucedidos tiveram que aprender é tecnologia computacional. Software de edição de imagem dá chance de reparar pequenas falhas em iluminação ou cor, suavizar bordas ou inserir fundo totalmente novo. Usar fundo branco puro ou cor clara sólida facilita retoques no computador.
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